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passing by

In der Ausstellung „passing by“ zeigt Margarete Schrüfer eine für die Präsentation entstandene ortsbezogene Rauminstallation gleichen Titels und Fotografien aus den letzten drei Jahren.                                                                                                             

Es ist eine Abschiedsausstellung. Die Künstlerin hat über fünf Jahre das Atelier im Galeriehaus Nord für ihre Arbeit nutzen dürfen und es vor etwa einem Jahr zugunsten eines Neuankömmlings geräumt.                                                                              

passing by“, das heißt soviel wie „vorbeigehen“, „vorüberziehen“, aber auch „vergehen“. In allen Begriffen ist das Thema Zeit angesprochen. Der Ausstellungstitel verweist somit konkret auf die im Atelier Galeriehaus Nord verbrachte Zeit, im übertragenen Sinne charakterisiert er die Arbeiten von Margarete Schrüfer aufs trefflichste.                                              

Margarete Schrüfer wurde 1969 in Bayreuth geboren und studierte nach einem Jahr an der Werkbundwerkstatt von 1997 bis 2003 an der Akademie der Bildenden Künste in Nürnberg bei den Professoren Hanns Herpich, einem Textilkünstler, und Ottmar Hörl, einem Konzeptkünstler und heutigem Rektor der Akademie, bei dem sie ihr Studium als Meisterschülerin abschloss. Ihr Schaffen wurde früh mit Preisen und Stipendien gewürdigt. Von besonderer Bedeutung für ihr künstlerisches Schaffen erwies sich allerdings ein Aufenthalt in Japan im Jahr 2005.                                                                                                                      

Seitdem spürt Margarete Schrüfer der japanischen Ästhetik auf sehr individuelle Weise nach.                                                    

Seit der 1854 erfolgten Öffnung Japans, das zuvor abgeschottet eine dem Westen bis dahin unbekannte Ästhetik entwickelte, inspiriert die japanische Kunst europäische Künstlerinnen und Künstler. Zunächst waren es die eigentümlichen Farbholzschnitte, etwa eines Hiroshige oder Hokusai, deren radikale Bildausschnitte und ungewöhnliche Perspektiven die Modernität des französischen Impressionismus erst ermöglichten. Insbesondere das Schaffen von Degas, van Gogh, Gauguin, Matisse und Toulouse-Lautrec ist ohne den japanischen Farbholzschnitt nicht denkbar. Vor allem Frankreich und England, bzw. Paris und London wurden im 19. Jahrhundert von einer regelrechten Japan-Mode erfasst, die sich auch auf die angewandten Künste und selbst auf die Architektur erstreckte.                                                                                                                                                

Der Japonismus bedeutete ein revolutionär neues Sehen, so dass der französische Schriftsteller Edmond de Goncourt bereits 1884 feststellte: „Ich möchte behaupten, er bringt einen neuen Farbensinn, neue dekorative Gestaltung und sogar poetische Phantasie in das Kunstwerk, wie sie noch nie selbst in den vollendeten Schöpfungen des Mittelalters oder der Renaissance existierten.“                                                                                                                                                                                        

Als Formfaktor der Moderne wirkte der frühe Japonismus auf Hoch- und Alltagskultur gleichermaßen. In einer Zeit großer Umbrüche, geistiger und technischer Revolutionen, bot die japanische Kunst einen Ausweg. Sie strebte nicht eine realistische Darstellung der Welt an, sondern gab Farbe, Linie und Komposition einen Eigenwert.                                                                      Bis heute ist die Faszination für Japan ungebrochen, was sich auch in der Nürnberger Kunst feststellen lässt, in der sich Neuinterpretationen konkreter Vorbilder etwa bei Udo Kallers „Die 100 berühmten Ansichten von Edo“ ebenso finden wie Motivaufnahmen bei Christian Faul oder vereinzelte Zitate, z. B. im Schaffen von Hubertus Hess, Thomas May und anderen.  

Was kennzeichnet die japanische Ästhetik und inwiefern ist sie bedeutsam für das Schaffen von Margarete Schrüfer?  

Japanische Kunst ist durch ein hohes Maß an Stilisierung geprägt. Tief verankert ist der Glaube an die Unbeständigkeit des Seins. Der Trauer um die Vergänglichkeit wird allerdings mit einer fast stoisch zu bezeichnenden Haltung begegnet.                  

Ein Ausdruck hierfür ist das Kirschblütenfest Hanami – schnellvergängliche Blüten im Überschwang der Natur erlauben den Japanern für einen kurzen Moment aus ihren Rollen zu fallen – fast wie bei uns im Fasching oder Karneval. Die Kirschblüte beginnt in Japan Mitte März, ist ein Bote des Frühlings und dauert etwa zehn Tage. Sie ist ein Symbol für Schönheit, Aufbruch und zugleich für Vergänglichkeit.                                                                                                                                                      

Die Kirschblüte, die im Übrigen auch in Franken gefeiert wird, ist demnach einerseits ein kurzlebiges Phänomen, mit dem die Natur ihre ganze Pracht zeigt, andererseits regelmäßig wiederkehrend und damit den Jahreslauf skandierend.                          

Das Motiv der Kirschblüte spielt auch bei Margarete Schrüfer eine große Rolle. In der Technik des Origami, das auf quadratisch zugeschnittenen Papieren basiert und in seiner strengen Auslegung ohne Kleber und Schere auskommt, faltet sie Blüte um Blüte, mit der Hand, in leichten Papieren. Eine Arbeit, die Präzision und sitzende Handgriffe verlangt.                                                      

In diesem Moment ist Margarete Schrüfer eine Objektkünstlerin. Auf den ersten Blick sehen alle Blüten gleich aus, erst auf den zweiten Blick offenbaren sich ihre Differenzen.                                                                                                                      Margarete Schrüfer belässt es allerdings nicht bei der gefalteten Blüte. In ihren Fotoarbeiten lässt sie jede einzelne Blüte wie im Zeitraffer rückwärts ablaufen. Jedes Blatt wird wieder aufgefaltet, jeder Schritt, jede Faltung wird fotografiert und schließlich werden die einzelnen Fotografien – bis zu 30 sind für eine Blüte notwendig – am Computer so überlagert, dass die an Ästen befindlichen einzelnen Blüten ein malerischer Schein umgibt, der in apartem Kontrast zu dem sie umgebenden dunklen Hintergrund steht.                                                                                                                                                                  

Margarete Schrüfers Fotografie ist eine Studiofotografie. Ihre Motivik beruht indes auf der alten Tradition der Blumenstillleben, die bei den Niederländern des 17. Jahrhunderts eine erste Hochzeit erlebten. Bereits damals handelten Blumenstillleben vom Werden und Vergehen, wurden Blüten in verschiedenen Wachstumsstadien gemalt oder gar Gewächse, die nicht zur selben Zeit blühen, in einem Bild vereint. Damals wie heute erinnern Blumenstillleben an den Kreislauf des Lebens von der Geburt bis zum Tod. Jegliches Leben wird als in einem zeitlichen Kontinuum ablaufend verstanden.                                                                        

In der Moderne lehrte uns der deutsche Fotograf Karl Blossfeldt (1865 – 1932) Anfang des 20. Jahrhunderts mit seinen formal strengen und vereinzelnden Aufnahmen, Pflanzen als Ornamente zu sehen, Bernd und Hilla Becher gewöhnten uns an die serielle Fotografie gleichartiger, aber zugleich verschiedener Motive.                                                                                          

Auch die Arbeitsweise von Margarete Schrüfer ist im Grunde seriell. Ihr serieller Ansatz wird jedoch in der Überlagerung aufgehoben und in einem Werk verdichtet. Ihre Poesie und Zeitlosigkeit erlangen die Aufnahmen durch die daraus entstehenden Unschärfen.                                                                                                                                                                                       

Wo zeitgenössische digitale Fotografie stets in ihrer Beziehung zur Wirklichkeit hinterfragt werden muss, vertuscht Margarete Schrüfer den artifiziellen Ursprung ihrer Aufnahmen nicht.                                                                                                              

Sie hat damit den Japonismus gewissermaßen verinnerlicht, dessen Hauptcharakteristikum es ist, verschiedene Gesichtspunkte in einem Bild zu realisieren, ein Bild zu schaffen und nicht ein Abbild der Realität.                                                                        

Der japanischen Ästhetik im Sinne des Zen-Buddhismus inhärent ist außerdem, dass das, was ist, nicht das wahre Wirkliche ist, sondern ein Bild. Naturphänomene werden in Japan im Trockengarten, als Ikebana und mittels Origami als Allgemeingültiges formuliert, immer auf der Suche nach dem Wesen der Dinge und stets im Bewusstsein des zeitlich gebundenen Lebensrhythmus, dem etwas aus der Zeit Herausgelöstes entgegengesetzt werden soll.                                                                                          Aus diesem Grund ist es folgerichtig, dass Margarete Schrüfer ihre Fotografien als „Frühling in Simulacrum“ bezeichnet. Simulacrum von lateinisch simul für „ähnlich“ beschreibt sowohl das Bild als auch das Abbild. Es kann Trugbild wie Traumbild sein.                                                                                                                                                                                             

Eigens für die Ausstellung entstand die raumbezogene Installation mit dem Papierboot, das in Kirschblüten schwimmt und darin eine deutlich sichtbare Spur zieht. Assoziationen der Überfahrt, an den mythologischen Fluss Styx bis zur aktuellen Flüchtlingskrise sind von der Künstlerin mitbedacht. Sie bindet ihre individuellen Empfindungen in einem allgemeingültigen Bild des Abschieds und der Trauer und zugleich der Hoffnung auf einen Neubeginn.                                                                           

Das Motiv der Blüten, die sich aufgrund der Spur des Boots zusammenrotten, wird in den an die Wand gehängten, weißen und dabei glänzenden Papieren aufgenommen. Hier sind es einzelne Blütenblätter, zeichnerisch als Umriss abstrahiert, die über den Untergrund je nach Lesart schweben, tänzeln oder schwimmen. Es wurde darauf verzichtet, die großformatigen Papiere zu kaschieren oder auf die Wand zu tapezieren. Anders als die Fotografien, deren Papiere eine samtene und dabei undurchdringliche Oberfläche haben, die sich auch durch ihre Rahmung als Bild behaupten, nehmen die als Diptychon und Triptychon gehängten Papiere die Lichtreflexe der Beleuchtung auf und werden damit Teil des Ausstellungsraums.                  

Eine 60 x 50 cm große Fotografie irritiert die ansonsten in Rosa-, Pink- und Weißtönen gehaltene Präsentation. Die Arbeit mit dem Titel „Gardening“ stellt ein Vergissmeinnicht dar, dessen blaue Blüten auf einem hochragenden Stängel sitzen und zudem auf Weiß abgesetzt sind. Der Ausstellungsbesucher entdeckt es erst beim Hinausgehen.                                                              

So wie die Kirschblüte Vergänglichkeit symbolisiert, steht das Vergissmeinnicht für Erinnerung und Abschied. Zudem handelt es sich um eine blaue Blume, ein zentrales romantisches Motiv der Sehnsucht nach Unendlichkeit.                                                    

In dieser Setzung kulminiert der Ansatz der Künstlerin, die in der Ausstellung „passing by“ den Verbindungslinien zwischen der japanischen und der westlichen Ästhetik nachspürt. Ihre Arbeiten berühren, weil sie existentielle Fragen nach der Zeitlichkeit allen Seins, der Vergänglichkeit des Augenblicks und der Hoffnung auf Wiederkehr aufwerfen.

Der 1963 verstorbene japanische Dichter Sasaki Nobutsuna schrieb einmal:

 Ob auf dem Weg

eine Spur bleiben wird

oder nicht –

bedachtsam

will ich meinen Weg gehen.

 Ich bin mir sicher, dass auch Margarete Schrüfer ihren Weg bedachtsam weitergehen und ihre Kunst Spuren hinterlassen wird.

                                                                                                                                                                                                                               Dr. Andrea Dippel

                                                                                                                                                           Eröffnung der Ausstellung „Margarete Schrüfer – passing by“

 

Märchen

Die Arbeit "Kay" befasst sich mit dem Märchen "Schneekönigin" von Hans Christian Andersen.                                                    

Auf weißem Hintergrund ergänzen sich aus silbern-beschichtetem Papier gestanzte Kristallformen zu Buchstaben, die in der Zusammensetzung in sieben Zeilen untereinander jeweils das Wort „EWIGKEIT“ unvollendet darstellen.                                  

Nach der Märchenerzählung bekommt Kay von der Schneekönigin den Auftrag, das Wort „EWIGKEIT“ aus Eiskristallen zu formulieren. Die Verwendung von Eiskristallen als Textwerkzeug hat zum Hintergrund, dass die Welt der Schneekönigin als Welt der Logik wahrgenommen wird und Eiskristalle, die in idealtypisch berechenbareren Formen entstehen, diese Logik symbolhaft abbilden; anders als die lebendigen, vergänglichen Rosen im Garten der Großmutter.                                                                  

Kay versucht den Auftrag der Schneekönigin zu erfüllen, um die ganze Welt und ein paar Schlittschuhe als Geschenk dafür zu erhalten. In einer schönen, perfekten und berechenbaren Welt wie der der Schneekönigin sind solche Versprechungen möglich, denn „EWIGKEIT“ als transzendentale Macht der Liebe im Sinne des Alpha und Omega in der Genesis ist mit logischem Verstand unmöglich zu begreifen. So scheitert Kay jedes Mal aufs Neue bei dem Versuch, das Wort „EWIGKEIT“ zu vollenden.     Margarete Schrüfers Arbeit greift diesen Prozess auf und formuliert das Wort „EWIGKEIT“ analog zu Kays Versuch im Märchen. Auf einer weißen Wand wird in sieben Zeilen untereinander gleichmäßig in Großbuchstaben das Wort „EWIGKEIT“ formuliert. Wobei die Versuche jeweils Buchstaben entbehren. „EWIGKEIT“ lässt sich in der Perfektion des „White Cube“ nicht darstellen.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                        Nikolas Kretzschmar M.A.

 

anders:wo

Die Arbeiten erscheinen als künstlerische Studiofotografie. Vor schwarzem Hintergrund stehen Blumen jeweils einer Art in schwarzen Eimern (die auf der Aufnahme wundervoll glänzen), wie man sie aus Blumengeschäften zu kennen glaubt, Gruppen gleichartiger Pflanzen, nicht eine einzelne Blüte, auch kein Blumenarrangement, aber alles perfekt ausgeleuchtet.     Nur der aufmerksame Betrachter spürt, dass es sich nicht um echte Blumen handelt, sondern um Origami-Blumen. Tatsächlich beauftragt die Künstlerin einen Profifotographen. Weil die Unterscheidung zwischen Plastik und Skulptur obsolet ist, muss man die Künstlerin, deren Beitrag die Faltung des Papiers und nicht die Fotografie, als Bildhauerin bezeichnen. Dies ist bereits eine wesentliche Verschiebung, die unsere Wahrnehmung steuert.                                                                                                        

Der zweite Blick lässt uns verweilen, wir stellen uns die mühselige Arbeit des Faltens vor - schlicht eine Frage der Geschicklichkeit und der Übung. Die Technik hat Schrüfer in Japan erlernt, also quasi an der Quelle. Das ist die zweite Verschiebung, nämlich ein Ortswechsel.                                                                                                                                      

Diese Blüten haben eine andere Verfallszeit als frische Blumen. Die Gruppen gleichartiger Gewächse suggerieren den Charakter einer Massenproduktion (die nicht stattgefunden hat), verweisen auf einen Prozess.                                                              

Origami ist eine bildhauerische Technik. Sie wird hier auf untypische Weise praktiziert und vorgestellt. Eine Aneignung hat stattgefunden, und sie wurde von einem Kulturkreis in einen anderen verschoben. Als Folge behalten die Blumen als solche eine künstliche Poesie. Ihre Darbietung geschieht jedoch mit einer gewissen Nüchternheit. Die Arbeit stellt Fragen, sie gibt keine Antworten.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                             Hans-Peter Miksch, Leiter der kunst galerie fürth,                                                                                 Kurator der 2. Triennale Schweinfurt für zeitgenössische Kunst, Katalogbeitrag 


flower power

Nicht nur die Pflanzen, sondern auch wir stehen in den Startlöchern und warten auf wärmere Temperaturen. Wir hungern nach dem Grün der Natur und nach den Blumen, die momentan noch nicht recht sprießen wollen.                                                                                                                                              

Blumen und Blüten sind Superlative der Natur, locken bestäubende Insekten an und zeigen die Flora von ihrer fruchtbarsten Seite. Gleichzeitig symbolisieren sie durch das unmittelbar nach der Blüte einsetzende Verwelken die Vergänglichkeit. Der ungebrochene Prozess der Fruchtbarkeit, des Werdens und Vergehens wird durch Blumen und Blüten versinnbildlicht. Dass das Spektrum der weltweit vorkommenden Blüten riesig groß ist, verdeutlicht uns die Vielfalt des Lebens auf besonders schöne, formen- und farbenreiche und auch olfaktorische Weise. Blumen und Blüten sind schön und erfreuen unsere Sinne und unsere Seele.                                                                                                                                                                                                                                

Die Kraft der Blumen wird im Ausstellungstitel „flower power“ von Margarete Schrüfer verdeutlicht. Die Künstlerin zeigt neue, fotografische Arbeiten, die auf das „blühende“ Thema in ganz besonderer Weise eingehen. In der Unterzeile der Einladungskarte lesen Sie „Skulptur“: Die Grundlage der Fotografien sind tatsächlich Objekte/ Blumen, installativ in Szene gesetzt.                                                                                                                                                  

Margarete Schrüfer stellt Blumen in Origami-Technik her, der Kunst des Papierfaltens, die etwa seit dem letzten Drittel des ersten Jahrtausends in Japan bekannt ist. Origami-Künstler sind so virtuos in ihren Falttechniken, dass sie die ganze Welt phantasiereich aus Papier entstehen lassen können.                

Ein Japanaufenthalt im Jahr 2005 hat bei Schrüfer dann letztendlich den Impuls gebracht, sich eingehender mit dieser Thematik zu beschäftigen. Ab 2010 entstanden dann sukzessive Blumen und Blüten, die in dieser Ausstellung als inszenierte Fotoarbeiten zu sehen sind.                                                     

Orgami bedingt eine aufwändige Arbeitsweise. Die Herstellung der einzelnen Blütenstängel ist daher zeitintensiv. Insofern ist der Prozess, der diesen Werken vorausgeht ein wichtiger Mittler der Inhalte. Alle Origami - Faltungen entstehen auf Grundlage eines etwa 15 mal 15 cm kleinen, quadratischen Papiers.                                                                                                                                                                                                                                              

Händische, nicht industrielle Herstellungsabläufe werden immer seltener in unserer von Effizienz geprägten, automatisierten Welt. Insofern wird das triviale Material, das Papier durch das Falten und durch eine neue Zuschreibung in der Dingwelt veredelt. Margarete Schrüfer ahmt Gewächse der Flora in Papierfalttechnik nach und entwickelt bewusst keine phantasiereichen Formen, um mit Bekanntem den Irritationsgrad gezielt zu erhöhen.                            

Die Arbeiten der Künstlerin stehen in direkter Nachfolge der historischen Blumenstillleben, die als autonome Gemälde im niederländischen Barock seit dem Beginn des 17. Jahrhunderts Mode wurden. Diese Erscheinung war wirtschaftlich bedingt, denn zu dieser Zeit trieben die Niederländer exzessiven Handel mit Tulpenzwiebeln, der ähnlich zum Börsenhandel der heutigen Zeit viel Gewinn abwarf, zuletzt wegen überzogener Spekulationen im Jahr 1637 zum totalen Zusammenbruch des Tulpenhandels führte. – die erste nachweisbare Spekulationsblase der Wirtschaftgeschichte. Nicht umsonst sind die Niederlande auch heute noch das Zentrum von Tulpenzucht und -handel. Malerisch entstanden in dieser Zeit hervorragende Werke, die als Prestigeobjekte die Häuser der elitären Kaufmannsschicht schmückten. Besonders die kleine schwarze Serie beruft sich auf diese Epoche. Der dunkle Hintergrund und das Streiflicht zeigen formale Berührungspunkte mit dem Barock.                                                                                                                                                                                

Das Thema Blumenstillleben wurden in den darauffolgenden Epochen immer wieder einmal in veränderter Form aufgenommen, Als Beispiele seien genannt die Impressionisten, Expressionisten oder aber aus dem 20. Jh. Georgia O’Keefe. Auch bei den Wohnzimmerbildern des ausgehenden 19. und des beginnenden 20. Jh. lassen sich Blumenstillleben in reproduzierbaren Lithografieverfahren finden. Wandschmuck für eine breite Masse des Bürgertums.         Gerade nach dem Einfluss des antimimetischen Expressionismus auf die Kunst des 20 Jh. und nach dem vielen schon vorhandenen Gedanken- und Ideengut, wenden sich viele Künstler wieder der Mimesis, der Nachahmung zu, und versuchen dabei andere inhaltlichen Wege zu beschreiten. So auch Margarete Schrüfer, die sich in ihrem Werk der Nachahmung des Gegenstandes widmet, ihn jedoch auf subtile Weise neu besetzt.                                     Wirft man einen weiteren Blick auf die Historie und auf die Ikonografie, zeigen sich Blumen als Attribute (beispielsweise symbolisieren Lilien und Rosen die Muttergottes). Ikonografie tut in den Werken von „flower power“ nichts zur Sache und ist in diesem Fall sogar unwichtig. Schrüfer geht es nicht um symbolische Bedeutungen im historischen Sinne. In ihrem Konzept weist sie subtil auf die Ambivalenz der Blumen hin, allgemein und speziell in ihrem Kontext.                                                                                                                                                                                                                                      

Diese Bilder zeigen nicht die Realität sondern geben – in diesem Falle künstlerisch und technisch – die Realität wieder und interpretieren sie. Das, was wir auf den Fotoarbeiten und den Wandtapeten sehen ist also nur der Schein des Seins.                                                                                                             Das Bild, das Ikon, besitzt nur Ähnlichkeit mit dem realen Objekt, das reale Objekt (die papiernen Blumen) wiederum ahmen die Natur nach.                        

Die Künstlerin zieht also mehrere Irritationsebenen in ihre Werke ein.                                                                                                                                        

Teil des Konzepts ist die Weitergabe der immergleichen Origami- Blumen an verschiedene Floristen, welche diese individuell in einer dezenten Vase arrangieren. Kein Strauß gleicht dem anderen.                                                                                                                                                                           Auf eigenartige Weise verwirrt die Zusammenstellung von Blumen, die in verschiedenen Jahreszeiten wachsen – ein floristisches No-go. Die großen Sträuße auf den Tapetenprints wirken daher recht übersteigert. Als ob nicht genug Formen und Farben zu einer Jahreszeit vorhanden wären. Gut! Schon beginnen wir zu überlegen: Blumenkunst oder Blumenkitsch? Eine ironische Gratwanderung beginnt.                                                                                                         Die Blumen und Sträuße zeigen keine Natur. Das triviale Material wird durch den künstlerischen Prozess veredelt, doch die Sträuße werden durch fremde Hand gebunden. Die hochwertige Fotografie hält die Inszenierungen fest und interpretiert sie, doch das Foto auf Papier wird an der Wand nur temporär angekleistert und nach der Ausstellung der Vernichtung zugeführt.                                                                                                                                               In  den kleinen Arbeiten stehen die Blumen in billigen schwarzen Plastikeimern, hinter hochglänzendem, edlem Acrylglas werden sie ästhetisiert und überhöht und distanzieren den Betrachter vom Objekt.                                                                                                                                                                             Die kleine Serie zeigt Blüten, wären sie echt, stünden sie hier in einer Vase, würden wahrscheinlich noch heute einige Blätter verlieren, so weit ist ihre Reife. Ein Bild der Vergänglichkeit. (Solche Blumen würde man nicht kaufen, um sie zu verschenken).                                                                                           Auch weitere Merkmale von Blumen bleiben uns verwehrt – wir können nichts berühren und erfühlen – gezeigt wird die Nature morte, die tote Natur: Niemals war hier jegliche Lebendigkeit vorhanden gewesen. Durch die puristische Präsentation und die hochauflösende Fotografie weht uns eine Kühle entgegen, die die Künstlichkeit der vordergründig munteren Ansichten potenziert.                                                                                                                                         Hier geht es um weit mehr als um Blumen, hier geht es um unseren Umgang mit der Natur, mit unserer Wahrnehmung der medialen Welt, die von Bildinformationen und Schnelligkeit überläuft und wir kaum mehr etwas Glauben schenken können. Margarete Schrüfer prüft die Grenzen unserer Sinneseindrücke.                                                                                                                                                                                                                       Man kann diese Bilder auch als eine Entschleunigung der Taktrate unserer Gesellschaft empfinden. Allein der zeitintensive, künstlerische Prozess, der in diesen Arbeiten immanent ist, verlangsamt das „Schnellschnell“ unseres üblichen Handelns. Die Stillleben strahlen große Ruhe aus. Aber die beschaulichen Werke sind Harmoniefallen: Gerade weil wir ihre Vorgänger aus der Malerei kennen und weil wir das Wesen der Blumen lieben, sie kaufen und verschenken, sind diese Werke umso trügerischer. Sie rufen vermeintlich Bekanntes aus unserem Erfahrungsschatz ab, was sich durch das Konzept der Künstlerin und die inhaltliche Neubesetzung als vielschichtig angelegte Irritation enttarnt.                                                                                                                                                                                                                                                                              Ansprache zur Eröffnung der Ausstellung Margarete Schrüfer „flower power“                                                                                                                                                                              Von Barbara Leicht M.A., Kunstmuseum Erlangen


Himmel auf Erden

Margarete Schrüfer legt um den Altar, der im Zentrum der Elisabeth-Kirche steht, einen kreisrunden Teppich aus flauschigem Filz. Um den Altar aus festem Stein fließt nun weiches Textil. Der Teppich hat den gleichen Durchmesser wie die Kuppel über ihm, er ist im selben Blau gefärbt wie die Kuppel. Auch das Sternenmuster greift die Ornamentik der Kassetten in der Kuppel auf.             Das Oben spiegelt sich im Unten; die wuscheligen Fäden, die aus dem Teppich hervorstehen, Strecken sich nach oben. Der Mensch, der ,,nach oben offen ist", begegnet der Gegenwart Gottes nicht nur ganz oben, sondern auch im Zwischenraum zwischen Himmel und Erde: Margarete Schrüfer hebt sozusagen die Erde etwas empor und den Himmel etwas nach unten, und da, wo sie sich treffen, entsteht ein unsichtbares Energiefeld.                                                                                                                                                                                                                                                                                         Hans-Peter Weigel, Künstlerseelsorger des Erzbistums Bamberg 

 

INSIDEOUT

Das Klacken des Überblend-Diaprojektors indiziert gleich einem Metronom den zeitlichen Ablauf von Margarete Schrüfers Arbeit "Blüten-Schau". Auf dem gezeichneten und projizierten Bild eines Kirschblütenastes tauchen allmählich gefaltete Papierelemente-stilisierte Sakkura-Blütenknospen in der japanischen Papierfalttechnik Origami- auf. Sie öffnen sich nach und nach im gleichförmigen Rhythmus des Projektors und verschwinden schließlich wieder.                                                                         

Diese Erscheinung ist dem japanischen Kirschblütenfest entlehnt. Menschen jeden Alters sitzen alljährlich unter den Kirschbäumen in zuvor mit persönlichen Dingen besetzten Arealen zusammen, picknicken und feiern den beginnenden Frühling- in Schrüfers Installation angedeutet durch ein mit Textilband abgeklebtes Feld.                                                                          

Einen Blick weiter sind die Origamiblüten, weiß in weiß, nochmals auf einem Wandplakat dargestellt. Die Körnung der an die Wand tapezierten Fotografie wird bei Nähertreten gröber, das Motiv beginnt sich aufzulösen und unterstreicht damit den inneren Gehalt von Aufbruch und Vergänglichkeit, welcher der Kirschblüte und dem Begehen des Festes inne wohnt.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                        Ulrike Rathjen, Kunsthistorikerin MA

Bibelgarten

Und die Erde ließ aufgehen Gras und Kraut, das Samen bringt, ein jedes nach seiner Art, und Bäume, die da Früchte tragen, in denen ihr Same ist, ein jeder nach seiner Art. Und Gott sah, dass es gut war. (1. Mose, 1, 12)

Flora

Nicht nur Menschen, Völker, Landschaften haben ihre Geschichte, auch Pflanzen erfuhren im Laufe der Jahrtausende unterschiedliche Verwendung, Kultivierung und Darstellung. Die installative Bodenarbeit von Margarete Schrüfer bezieht sich auf jene Pflanzen, die sich in der Bibel erwähnt finden insgesamt sind das gut 120. 28 Arten hat die Künstlerin nach ästhetischen Gesichtspunkten ausgewählt und aus ihnen ein ornamentales Geflecht geschaffen.                                                                 

Linear abstrahiert, nicht maßstabsgetreu und konzentriert auf ihre Silhouetten, ergibt sich ein feines Dickicht von Blüten, Halmen, Blättern und Früchten als Ausschnitte eines größeren Ganzen. Das dunkle Altrosa des Untergrundes in der Kirche hinterlegt den weißen Scherenschnitt aus Filz. Der Altarbereich wird zu einem üppigen und dabei klaren und lichten Oll-over.    Die Pflanzen sprechen ihre eigene Geschichte die Nutzung und teilweise daraus abgeleitete Symbolik sind schier unermesslich und geben im Kontext Bibel Aufschluss über verschiedene Bereiche symbolischer, landwirtschaftlicher oder geographischer Natur, die sich zum Teil wiederum bedingen bzw. überschneiden. In der Schöpfung geschieht am Dritten Tag das Anlegen der gesamten Flora, zum Beispiel auch des Feigenbaumes, dessen zusammengeflochtene Blätter nach dem Sündenfall als Schurz dienten (1. Mose, 3, 7).                                                                                                                                                              

Gleichzeit ist die Feige aber auch ein Bestandteil der Ernährung der Zivilisation des Nahen Ostens, jenem Gebiet, in dem sich die biblischen Geschehnisse zugetragen haben, und ist dort auch als Heilpflanze bekannt (Jesaja 38, 21). Gerste und Weizen sind im biblischen Palästina die bekannten Getreidesorten, und Wein und Olive treten sowohl in der frühen Landwirtschaft als auch an bedeutsamen Stellen der Bibel auf. Die Taube brachte Noah nach der Sintflut einen Ölzweig, Jesus ging zum Ölberg usf. Im Hohelied Salomons indes werden zahlreiche Pflanzen, darunter etwa Granatapfel, Lilie, Weihrauch und Myrrhe eingesetzt, um die Eigenschaften von Liebe, Schönheit und Geliebter zutreffend beschreiben zu können. Bibelgarten, Garten Eden, Paradiesgarten die Schönheit und Vielgestaltigkeit der Arbeit von Margarete Schrüfer fordert auf zur Beachtung und Achtung der Schöpfung.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                       Ulrike Rathien, Kunsthistorikerin M.A